En 1994, Philip Glass escribió seis estudios de piano aparentemente ordinarios para el director y pianista Dennis Russell Davies con motivo de su 50 cumpleaños. Glass también los escribió para él mismo. Los estudios son tradicionalmente estudios de técnica y aquí son ejercicios de un compositor siempre pragmático para mejorar su interpretación.

Davies debutó en Bonn, Alemania, en 1994 y poco después tocó en la Academia de Música de Brooklyn. Entonces parecían estudios técnicos y compositivos, centrados en esta célula melódica o esa idea rítmica propulsora, diseñados para hacer que los dedos se movieran y los jugos compositivos fluyeran, pero no mucho más que eso.

Sin embargo, con Glass nunca se sabe dónde va a terminar algo. Puede comenzar en un territorio demasiado familiar y luego, a través de cambios graduales casi imperceptibles, el punto final se convierte en una maravilla inesperada. Que la esencia del asombro estuvo siempre presente sólo se comprende en retrospectiva.

Algo similar ocurrió con la composición de los propios estudios. A lo largo de dos décadas, Glass escribió dos libros de 10 cada uno, volviéndose cada vez más fastuoso y virtuoso más allá de las propias habilidades pianísticas del compositor. La solemne y deslumbrante vigésima edición es una obra maestra de Glass que refleja de manera abstracta la música de la película “Visitors” de Godfrey Reggio de 2013, una serie de pequeños retratos que, con la ayuda de la banda sonora de Glass, se convierten en una especie de transmigración cinematográfica de sus almas.

Los 20 estudios completos son ahora esenciales para Glass, su canción más interpretada. Ha habido al menos una docena de grabaciones completas, la última del elocuente pianista polaco Maciej Ganski, publicada el 25 de marzo. Se han convertido en los favoritos de pianistas de renombre. Yuja Wang transforma el número 6 en una pieza impresionante. Tanto los coreógrafos como los pianistas (profesionales y aficionados) no se cansan de ellos.

A finales del año pasado se lanzó una caja grande, cuidadosamente producida, con partituras para cada estudio y un libro de ensayos eclécticos sobre los estudios. Entre quienes rinden homenaje a los estudios se encuentran la chef Alice Waters, la pintora Jenny Saville, los coreógrafos Justin Peck y Lucinda Childs, el director de cine Martin Scorsese, la artista de performance Laurie Anderson, el escritor Pico Iyer y el presentador de NPR Ari Shapiro.

Los 20 estudios también formaron parte de una producción itinerante de Pomegranate Arts durante la última década. El ciclo finalmente llegó a Los Ángeles el mes pasado, presentado por la Filarmónica de Los Ángeles como un concierto de Green Umbrella.

Fue una revelación, pero no tanto por lo que nos contó sobre sus estudios, aunque los hubo, sino por lo que hizo Glass en la música en general. La aceptación del compositor de 87 años por parte del establishment de la música clásica ha sido dolorosamente lenta y extrañamente desigual. El mismo día del evento Etudes en el Walt Disney Concert Hall, la Filarmónica de Nueva York anunció que su temporada 2024-25 incluye a Gustavo Dudamel dirigiendo la Sinfonía No. 11 de Glass. (tiene hasta 14 años) y es sólo la segunda vez que interpreta una obra de concierto del compositor más famoso de Nueva York desde Leonard Bernstein.

Durante los 10 días posteriores a sus estudios en Disney, en concierto tras concierto en la sala y en la ciudad, en la radio internacional y en grabaciones, quedó evidencia de que, ya sea que lo ames, lo odies, no le prestes atención a él ni a su música. , o finge que no importa: no puedes escapar de Philip Glass. Su impacto en los compositores de las generaciones posteriores, ya sea que lo aceptaran o se opusieran, es indeleble.

El fin de semana de los conciertos de la Sinfónica de San Francisco, la Filarmónica de Los Ángeles y la Orquesta Colburn en Disney después de los estudios contó con tres generaciones centrales de compositores e intérpretes posteriores a Glass: John Adams, Esa-Pekka Salonen y Timo Andrés, todos los cuales se vieron afectados. de una forma u otra por Glass. Puede que su música no se parezca en nada a Glass (en el caso de Salonen, rotundamente no), pero nada de eso habría sido lo mismo sin el precedente de Glass.

En esto Adams es una figura central. Como presidente creativo de LA Phil desde hace mucho tiempo, programa la serie Green Umbrella, y fue significativo que las precuelas de Glass precedieran a un fin de semana dedicado a Adams y su influencia en Disney. Gran parte de la influencia de Glass en la música clásica estadounidense se canalizó a través de Adams. Fue él quien encontró una manera de aplicar la revolución musical minimalista y hardcore de Glass, Steve Reich y Terry Riley a un lenguaje musical más inclusivo y original. Con sorprendente originalidad, Adams combinó la energía propulsora de Glass con sus entusiasmos musicales más convencionales, ya sean las sinfonías de Sibelius, los últimos cuartetos de cuerda de Beethoven, Stravinsky, el jazz americano y más.

En Disney, Salonen, de gira con su Sinfónica de San Francisco, dirigió una impresionante interpretación de “Naïve and Sentimental Music” de Adams, una gran sinfonía en todo menos en el nombre, de la cual Salonen estrenó mundialmente con la Filarmónica de Los Ángeles en 1999. El vidrio es audible en este vasto paisaje sonoro, pero su propulsión tiene raíces minimalistas y en el centro exquisito y silencioso de su lento movimiento hay una especie de sensibilidad glassiana. La recepción en esta ocasión fue casi como un concierto de rock con un público aplaudiendo y gritando. Los músicos también aplaudieron a Salonen y golpearon sus pies en señal de apoyo a su director musical, quien anunció que no renovará su contrato como director musical por falta de apoyo por parte de la dirección de la orquesta.

Glass no solo ayudó a allanar el camino para Adams, sino que fue Adams quien ayudó a allanar el camino para Salonen como compositor. Hasta donde yo sé, la única vez que Salonen interpretó a Glass fue vestido con un disfraz de conejito en un momento de tontería en el Festival de Música de Ojai de 1999. Él y el compositor Magnus Lindberg iniciaron un concierto infantil con temática de ópera las mañanas del sábado, sentados en el piano como conejitos, tocando la apertura de “Einstein on the Beach”. Esa noche, Salonen dirigió la Sinfónica de Cámara de Adams, en la que Glass y algunos otros compositores se dirigen a Schoenberg con irreverencia.

Fue Adams y particularmente la Sinfónica de Cámara lo que llevó al avance compositivo de Salonen con “LA Variations” dos años antes, no tanto como un estilo (sin Glass, por supuesto), sino como un permiso para permitir nuevos usos de la melodía y la armonía. en su música.

Adams acaba de regresar a la ciudad después del estreno en Londres de su última y apasionante partitura sinfónica, “Frenzy”, dirigida por Simon Rattle con la Sinfónica de Londres. (Una co-comisión de LA Phil, llegará aquí en la temporada 2025-26, pero se puede escuchar hasta el 24 de abril en una transmisión archivada en Radio 3 de la BBC.) En el concierto de Adams dirigiendo la Filarmónica de Los Ángeles el mes pasado, recurrió a otra de sus grandes obras sinfónicas, “City Noir”, encargada para Dudamel en 2009. En una actuación a la vez melancólica y propulsora, Adams saboreó su jazz. ecos y bandas sonoras clásicas de las bandas sonoras del Hollywood noir de los años 50.

El director John Adams y el pianista Aaron Diehl presentan el estreno mundial de “Made of Tunes” de Timo Andrés con la Filarmónica de Los Ángeles en el Walt Disney Concert Hall el 24 de marzo.

(Ringo Chiu / Para The Times)

También dirigió un estreno de su colega más joven, Timo Andrés, excelente pianista y uno de los cinco participantes en el concierto de Etudes. “Made of Tunes”, sin embargo, es un concierto para Aaron Diehl, un pianista igualmente familiarizado con la música clásica y el jazz, y alguien con su propia conexión con Glass: hizo un brillante arreglo para trío de jazz de #dieciséis. Las “melodías” que Andrés utiliza en su concierto provienen de canciones populares estadounidenses, canciones de salón, blues y ragtime, y sufren coloridas transformaciones repetitivas, embellecidas por las improvisaciones de Diehl. Aunque suena poco como Glass o Adams, la forma en que Andrés desarrolla sus canciones como un proceso, su cautivador uso de la percusión y el avance de la canción implican que ha absorbido a Glass y Adams en su propia voz única.

Esta originalidad fue muy evidente en el propio maratón de estudios. Junto con las interpretaciones brillantemente esclarecedoras de Andrés, Maki Namekawa, quien ha sido la musa de Glass, aportó su brillantez a todo lo que interpretó, especialmente el número 20. Jenny Lin se propuso escuchar los estudios como nueva música brillantemente virtuosa. El pianista ruso Anton Batagov se aseguró de que los escucháramos como música tradicional brillantemente fascinante. La pianista crossover Lara Downes te haría creer que los estudios fueron escritos en 2024.

En el libro de ensayos breves sobre los estudios, Davies, que dirigió casi todas las óperas y sinfonías de Glass y que está casado con Namekawa, afirma que el desafío de los estudios es mantenerlos puros, “en el sentido de mantener el ego fuera”. de ello. Cuando su esposa los estaba aprendiendo, escribe, tuvo que irse para dejarla en paz.

El tiene razón. Dejar que los procesos en la música de Glass hablen por sí mismos es lo que da licencia a otros, incluidos los disidentes de Glass como Salonen, para encontrar sus propios procesos. Pero cuando se trata de interpretar los estudios, que Davies teme que puedan ser demasiado románticos en las manos equivocadas, necesitará pasar mucho tiempo fuera de casa.

La semana siguiente al ciclo de Disney, el segundo y quinto estudio fueron completamente reelaborados en “Maya Beiser X Philip Glass in Concert” del Centro de Artes Escénicas de UCLA en el Nimoy. La violonchelista, acompañada de cuatro compañeros violonchelistas, ralentizó sus estudios casi a la mitad de velocidad, envolviendo y cautivando el ambiente que la rodeaba con el manto sonoro de los violonchelos amplificados. Estas transcripciones ya no eran estudios de piano per se, sino que las interpretaciones transmitían la esencia de la práctica, de aprender una pieza repasando lentamente los pasajes, adentrándose cada vez más en el sonido de su instrumento. tú y tu instrumento se funden.

La resonancia de la apertura de Glass en el ámbito académico es, de hecho, inevitable. Laurie Anderson y el compositor Jlin escriben sobre Glass creando una sensación de infinito. Más cerca, Third Coast Percussion incluye a Glass y Jlin en su show de Nimoy el viernes. Las obras de Anderson y Jlin formarán parte del programa Kronos Quartet en el Royce Hall el 28 de abril.

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