El inestable clima primaveral en la costa oeste no impide el estreno de varias propuestas cinematográficas que podrán verse en las salas locales a partir de este fin de semana, que van desde una biografía deportiva hasta la reconstrucción de un caso flagrante de abuso religioso. Continúe leyendo para conocer los detalles.
EL JOVEN Y EL MAR
Director: Joachim Rønning
Elenco: Daisy Ridley, Tilda Cobham-Hervey, Stephen Graham
Género: Drama biográfico
Lo golpearon con las manos. Las películas sobre nadadores de la vida real que aceptaron realizar recorridos extremadamente exigentes a través de rápidos tienen al menos un precedente directo: “Nyad” (2023), el reciente drama que le dio a su protagonista una merecida nominación al Oscar. , la gran Annette Bening.
En este sentido, “Jovem no Mar”, que podrá verse a partir de este jueves, no parece tan original como si se hubiera estrenado hace dos o tres años. Pero tiene sus virtudes y, por supuesto, su especificidad, porque en lugar de recrear la aventura emprendida por una mujer madura de nuestro tiempo para conquistar la costa entre Cuba y Florida, reconstruye las memorables experiencias de Gertrude Ederle, la primera mujer que nadó. a través del Canal de la Mancha en agosto de 1926.
Para conseguirlo, la película de Joachim Rønning (“Maléfica: Mistress of Evil”) recurre a Daisy Ridley, la joven actriz británica que alcanzó fama –y imaginamos fortuna– gracias a su participación estelar en la trilogía secuela de “Star Wars”. ” y quien nos sorprendió por completo con una sutil y conmovedora actuación en el logrado drama independiente “A veces pienso en morir” (2023).
Sometido nuevamente a los designios de Hollywood, Ridley reduce su radio de acción para ponerse en la piel de un personaje que aparece inmerso en una historia fascinante y digna de ser contada, pero que ve reducido su legado por el uso de una narrativa repleta de clichés. que siempre resalta sus supuestas intenciones feministas y que por tanto se convierte en un perfecto ejemplo de cómo Disney trivializa las causas justas.
Afortunadamente, esto no quita el interés por una película llena de valores de producción, que fue filmada con elegancia clásica y que, sobre todo, muestra a las nuevas generaciones una situación que, más allá de cualquier imposición comercial, tuvo que ser profundamente complicada de alcanzar. .
También cabe destacar que, además de enfrentarse al machismo imperante en la sociedad norteamericana de la época, Ederle tuvo que lidiar con el comportamiento profundamente conservador de su padre, un inmigrante alemán que intentó entregarla en matrimonio a un desconocido.
LOS MUERTOS NO DAN DAÑO
Director: Viggo Mortensen
Reparto: Viggo Mortensen, Vicky Krieps, Solly McLeod
Género: occidental
Tras haberse construido una carrera de enorme respeto como actor por sus intervenciones en la saga “El señor de los anillos” y en títulos como “Una historia de violencia” (2005) y “Capitán Fantástico” (2016), el estadounidense de Descendiente De Dinamarca, Viggo Mortensen decidió probar suerte en la dirección cinematográfica con “Falling” (2020), un drama íntimo que lo mostraba interpretando a un hombre gay enfrentado a la homofobia de su padre senil.
Cuatro años después, el mismo artista vuelve a rodar y escribir guiones con “The Dead Don’t Hurt”, un western que combina la estética clásica del género con sensibilidades actuales y que impactará
probablemente para los amantes del cine comercial por su ritmo tranquilo, pero sin duda se trata de una obra de primera calidad tanto en el ámbito narrativo e interpretativo como en su puesta en escena, además del uso que hace de ciertos arquetipos.
“The Dead Don’t Hurt” también rompe esquemas al dar el protagonismo a una pareja de inmigrantes: el danés Holger Olsen (Mortensen) y la franco-canadiense Vivienne Le Coudy (Vicky Krieps), quienes, a finales del siglo XIX, , decide mudarse a una ciudad ubicada en el desierto de Nevada para tener una vida próspera y pacífica. Sin embargo, poco después de su llegada, el ambiente comienza a volverse especialmente turbio debido a la corrupción de las autoridades locales y de sus allegados.
En cierto punto de la historia, es Vivienne quien tiene que tomar el asunto en sus propias manos, frente a hombres poderosos contra los cuales su determinación, su integridad y su coraje no pueden hacer mucho. La intención de la historia es claramente feminista, pero, afortunadamente, Mortensen no nos impone su visión de forma agresiva, ni lo hace con los tiroteos típicos del género, que se presentan de forma justificada e incluso responsable.
Esdras
Director: Tony Goldwyn
Departamento: Bobby Cannavale, William Fitzgerald, Robert De Niro.
Género: Drama
Por razones naturales, las historias escritas sobre personas con autismo a menudo no presentan a las personas afectadas por el trastorno en la vida real, especialmente en papeles protagónicos. En este sentido, “Ezra”, la película que ahora se puede ver en los cines de Los Ángeles, resulta novedosa y llamativa desde el principio.
Y el personaje que da nombre a la película fue confiado a William Fitzgerald, un preadolescente que interpreta de manera destacada a un niño de 10 años cuyas dificultades para interactuar con las personas que lo rodean lo ponen en más de un problema. De hecho, el protagonista de la película es Bobby Cannavale (“Boardwalk Empire”), quien interpreta a Max Brandel, un comediante que también es el padre de Ezra; pero Fitzgerald nunca deja de sorprender.
A pesar de su perfil aparentemente bajo, “Ezra” tiene un elenco repleto de estrellas. Cannavale se encuentra rodeado por Rose Byrne, quien interpreta a su ex esposa; Robert De Niro, que interpreta a su padre; Whoopi Goldberg, que se pone en el lugar de su agente;
Rainn Wilson, que interpreta a un viejo amigo, y Vera Farmiga, que interpreta a una exnovia. La constante aparición de rostros familiares a lo largo de la película genera un saludable nivel de anticipación, sobre todo porque, salvo una excepción, los participantes tienen papeles especialmente interesantes.
En su primera parte, “Ezra” parece realista y convincente, no sólo por la excelente interpretación de Cannavale, sino también por el desarrollo de una historia que genera una empatía natural por parte del espectador al presentar el drama de una familia separada que tiene afrontar los trastornos del hijo manteniendo una carrera activa, pero también combinándolo con momentos espontáneos de humor que restan solemnidad al asunto.
El problema comienza más tarde, cuando el guión de Tony Spiridakis abandona Nueva York para emprender una especie de “road trip” que podría resultar absolutamente liberador en otras circunstancias, pero que, en este caso, se sumerge cada vez más en un nivel de irresponsabilidad que no No parece ir de la mano del escenario presentado, que acaba desafiando cualquier tipo de credibilidad y que no encuentra el tono adecuado en manos del director -y también actor- Tony Goldwyn. Este es un giro decepcionante de los acontecimientos en una película que, sin embargo, merece ser vista y discutida.
DE NATURALEZA VIOLENTA
Director: Chris Nash
Elenco: Ry Barrett, Andrea Pavlovic, Cameron Love
Género: Terror
Aunque las películas sobre asesinos que ejecutan de forma especialmente sangrienta a un grupo más o menos numeroso de personas utilizando objetos punzantes -más conocidos como ‘slashers’- tuvieron su apogeo entre finales de los 70 y mediados de los 80, la nostalgia de estos tiempos durante los últimos tiempos no sólo mantuvo su popularidad, sino que también sirvió para la creación de nuevas producciones que, por lo general, rinden homenaje directo a las obras del pasado.
No todos son buenos, por supuesto. Sin ir más lejos, “The Strangers: Capítulo 1”, que se estrenó hace dos semanas, se limitó a repetir las fórmulas del subgénero sin hacer mayores esfuerzos en la búsqueda de la originalidad. Y esto es algo que no ocurre con “In a Violent Nature”, una película que, pese a mantener los clichés imprescindibles de este aspecto, consigue ofrecer giros narrativos mínimamente interesantes y logra una puesta en escena ciertamente distintiva.
La película canadiense del director y guionista Chris Nash presenta a un villano a menudo enmascarado, por supuesto, pero lo convierte en un zombie, es decir, un personaje de otra rama del terror. Pero lo más interesante es que adopta principalmente el punto de vista del mismo tema, lo que la lleva a convertirse en un ‘slow-burn’, es decir, el tipo de historia que transcurre con una calma inquietante y que genera resultados casi hipnóticos. .
Sin embargo, los amantes del terror desatado no deberían preocuparse demasiado, porque, en detrimento de ese ritmo pausado y de sus largos planos contemplativos sobre paisajes naturales, “In a Violent Nature” cuenta con algunas de las escenas ‘gore’ más brutales y explícitas que jamás se hayan visto. jamás se han visto en la historia del cine, todos filmados de forma práctica y, por lo que se ve, sin grandes retoques digitales.
Los excesos de este lado son tantos que, al menos a nosotros, acaban produciendo más risas que horror; y para una obra con pretensiones intelectuales, se queda en un nivel muy básico en cuanto al nivel discursivo. Pero es imposible no admirar la audacia de Nash al crear una producción inusual e incluso experimental que no se puede apreciar con indiferencia.
SECUESTRADO: MURIÓ EL SECUESTRO DE EDGARDO
Director: Marco Bellocchio
Departamento: Enea Sala, Paolo Pierobon, Fausto Russo Alesi
Género: Drama histórico
Aunque tiene un estreno extremadamente limitado en nuestra área de cobertura (estará disponible a partir del viernes en los cines Laemmle de Los Ángeles y Encino), “Secuestrado: El rapto de Edgardo Mortara” es una película de primer nivel que ningún cinéfilo se perderá. vale la pena perderlo.
Se trata, ante todo, del más reciente esfuerzo de Marco Bellocchio, un cineasta italiano de 84 años que, a pesar de no haber tenido la fama de su contemporáneo Bernardo Bertolucci, es también un maestro del cine, como lo demuestra su mundialmente- títulos de clase “Buenos días, noches” (2003) –basada en el secuestro real de un político italiano por un grupo extremista– y “Vincere” (2009) –la recreación del romance secreto entre el dictador Benito Mussolini y su funcionario. esposa. -.
Como ya indican estas referencias, Bellocchio es un director muy politizado que, pese a haber recibido una educación profundamente cristiana, luego se convirtió en ateo y militante comunista, aunque los últimos años lo han encontrado alejado de tendencias revolucionarias.
Sea como fuere, a su vez, “Secuestrado” no es sólo la reconstrucción de un sonado caso que implicó la apropiación de un niño judío por parte de la Iglesia católica en 1851, sino también un ataque frontal contra el Vaticano. Independientemente de lo que se piense sobre la religión institucionalizada, la obra está bellamente filmada y tiene un alto nivel de producción.
Rodada en un estilo visual clásico y expansivo, Bellocchio nos presenta también a un villano inolvidable: el Papa Pío IX, quien, a pesar de haber sido beatificado por Juan Pablo II, aparece aquí como un tirano ególatra que participó activamente en el secuestro de la menor (. por qué no fue nada más) y en su adoctrinamiento forzoso. La interpretación del pontífice está en manos de Paolo Pierobon, un actor poco conocido en estas latitudes que, sin embargo, nunca deja de impresionar.
Finalmente, la cinta es una nueva muestra de las vicisitudes que ha tenido que atravesar una comunidad que, más allá de las barbaridades que están siendo cometidas actualmente por algunos de sus líderes, ha estado sometida a toda clase de humillaciones y vejámenes a lo largo de la historia.
