La Ópera de Los Ángeles le da a ‘Madame Butterfly’ un ángulo clásico de Hollywood, para bien o para mal

Cio Cio San, también conocida como Madame Butterfly, se ganó los corazones por primera vez en un cuento escrito en 1898 por un abogado estadounidense, luego en una obra de Broadway dos años más tarde, antes de convertirse en inmortal gracias a la ópera italiana de Puccini de 1904. El cine italiano no se quedó atrás. En 1932, teníamos tres películas: una terrible película muda de 1915 protagonizada por la novia de Estados Unidos, Mary Pickford; la escalofriantemente efectiva película muda de 1919 de Fritz Lang, “Harakiri”; y en 1932, la primera película sonora, bastante ridícula, con una cautivadora Sylvia Sidney y el joven y elegante Cary Grant.

En ninguna de estas películas había un asiático a la vista. De hecho, en la década de 1930, el Código Hays de Hollywood incluía el mestizaje entre sus prohibiciones. Al actualizar “Madame Butterfly” a un estudio de Hollywood de la década de 1930 en el que se filma la ópera de Puccini, la Ópera de Los Ángeles ha hecho que no interpretar a Hays sea una tarea urgente. Cinco de los seis personajes japoneses principales son asiáticos, y un ensayo en el folleto del programa pide la eliminación de la “mirada blanca”, lo que convierte esto en una fantasía del Hollywood de antaño.

La producción es importada de Madrid, donde fue creada hace 24 años por el director español de origen uruguayo Mario Gas para el Teatro Real. Luce kimonos de colores deslumbrantes diseñados por Franca Squarciapino, una iluminación seductora adaptada para Los Ángeles por Pablo Santiago y una dirección líricamente elegante del director musical James Conlon. Sin embargo, nada de esto pretende llamar la atención.

No sé cuántas veces he visto “Madame Butterfly” en el escenario y creo que he visto todas las películas de “Butterfly”. Me fascinaba la ópera (especialmente la producción de Robert Wilson en la Ópera de Los Ángeles en 2004). También me sentía aburrido, enfurecido, frío o profundamente conmovido por ella. Pero en todos los casos supe mirar. Miras el escenario. ¿O miras la pantalla?

En la producción de gas, se analizan ambos, lo que puede llevar algún tiempo comprenderlo. El impresionante set del difunto Ezio Frigerio está plagado de operadores de cámara y todos los demás aspectos de la filmación. Pero el escenario real de la película es inexplicable: una estructura de columnas de acero que, sin ningún motivo en particular, gira con un fondo marino pintado detrás.

Sobre el colorido escenario hay una pequeña pantalla en la que parece estar la película en blanco y negro mientras se filma, con los subtítulos debajo. Principalmente revela primeros planos de los cantantes, a menudo como cameos cinematográficos como los que se pueden ver en antiguas películas mudas. Ver el set real, las supuestas imágenes, no es atractivo. Es la pantalla de la que finalmente me di cuenta, un acto que debes ver. Luego tendrás una experiencia teatral enriquecida al ver la película y saber lo que fue necesario para hacerla.

Lo que esto produce es anacronismo sobre anacronismo. En el set, con los actores pasando por el proceso, eres testigo de la realidad. En la pantalla tienes melodrama, cuya artificialidad se hace evidente. Pero luego obtienes más realidad con una “banda sonora” en vivo. Y más artificialidad. El foso es profundo, lo que hace que la orquesta suene débil. El escenario tiene pocas superficies reflectantes, lo que hace que los cantantes suenen débiles. La sincronización de las voces de la película es incorrecta, otro obstáculo en el proceso.

La veterana soprano coreana Karah Son, alias Cio Cio San, lo compensó presionando con fuerza. Su vibrato es amplio. Ella es una Butterfly experimentada y ha cantado cientos de veces. Su estilo vocal es italiano y también lo es, en esta producción, su emotiva interpretación. Su voz se calmó en el segundo acto y aportó un sentimiento apropiadamente anticuado a “Un bel di”, su anticipación de un hermoso día tan irremediablemente irreal como todo lo que había en el escenario. En ese momento, podría haber sido una cantante de ópera con todos los gestos cómodos, poderosos y exagerados de los años treinta.

Pinkerton, del tenor Jonathan Tetelman, es un poco más rígido, pero quizás intencionadamente. No se siente una conexión real entre los amantes, pero quizás eso también era deseado, dado que el insensible marinero estadounidense trata como una broma su matrimonio con una geisha mientras está de permiso en Nagasaki. El sexo es otra cosa que el Código Hays no debe hacer.

Muchas cosas chocan. Al convertirse en una esposa “americana”, Butterfly cambia su kimono por un vestido occidental y puede actuar como una estrella tonta de los años 30. Los personajes más profundos de esta producción son su doncella, Suzuki, y Sharpless, el cónsul estadounidense. En estos papeles, Hyona Kim aporta una intensidad cautivadora que fundamenta a Butterfly, mientras que Michael Sumuel demuestra ser un complemento brillantemente reflexivo para la superficialidad de Pinkerton.

Rodell Aure Rosel, como el viscoso agente matrimonial Goro, y Wei Wu, como el enojado monje Bonze, tenían la personalidad de una película muda.

¿Qué significa todo esto? El Teatro Real puso fin a esta producción sustituyéndola por una oscura e inmersiva que se retransmitió en directo en julio. Esto refleja la repugnancia que despierta el turismo sexual en la Nagasaki actual, la última forma de mirada blanca.

En comparación, la producción de casi un cuarto de siglo de Gas en realidad parece anticuada. Pero “Butterfly” perduró reflejando la ceguera de su época, recordándonos la nuestra. Fue vista desde todas las perspectivas en una búsqueda de trascendencia. Esta producción puede ser una invención. La actuación casi es un truco. El canto no es siempre esclarecedor. Sin embargo, es más que una película.

LA Opera ha desarrollado una audiencia extraordinariamente entusiasta, y el sábado por la noche no fue la excepción. Los aplausos fueron ensordecedores. A la gente le gustan las pantallas y los primeros planos, lo que hace que los prismáticos de ópera queden obsoletos. La pantalla hace imposible apartar la mirada, lo que te obliga a mirar, a considerar, a ajustar la mirada de maneras que de otro modo no harías. Lo irreal de alguna manera se vuelve real.

Podemos debatir si se lo merece, pero la Ópera de Los Ángeles despierta curiosidad y parece tener otra entrada candente entre manos.