Als Mindy Gledhill eine alte Telefonzelle in einem Antiquitätengeschäft betrat, wusste sie sofort, was als nächstes zu tun war. Sie kaufte das Vintage-Stück, verwandelte es in ihre Aufnahmebox und reiste in die Vergangenheit.
„Ich dachte, es wäre heilsam für mich, diese Telefonzelle in eine ISO-Kabine für die Aufnahme von Gesang zu verwandeln und mein inneres Kind anzurufen und ihr all die Dinge zu erzählen, von denen ich wünschte, sie hätte es gewusst, als sie jünger war“, erzählt Gledhill American Songwriter. „Ich habe es mit Akustikschaum ausgekleidet, es in meine Gesangskabine verwandelt und angefangen, Lieder für mich zu schreiben und aufzunehmen.“
Das Ergebnis von Gledhills Secondhand-Ladenfund war eine Sammlung von Liedern, die ihr Leben damals und heute dokumentieren. Die Telefonzellensitzungen, Bd. 1eine Fortsetzung ihrer Veröffentlichung aus dem Jahr 2019 Kaninchenbau.
Die stimmungsvollere Eröffnungsouvertüre „Pleased to Meet Me“ leitet zum gleichnamigen Titel über, einer mitfühlenden Ballade, in der sie sich wieder mit ihrem früheren Selbst vertraut macht –Ich würde mich freuen, mich kennenzulernen / Ich würde stehen bleiben und Hallo sagen / Küss mich sanft auf die Stirn / Halte mich sanft fest –und mehr Sehnsucht danach, mit ihr jünger zu plaudern analoges Kind selbst bei „Talk to You“. Kindheitserinnerungen und Fantasien, Driften durch „The Edge of the World“ und „Little Miss Moon Boots“ und weitere Geschichten über die Selbstfindung und verlorene Verbindungen in „Charming“, „Dial Tone Duet“ und „Long Lost Lullaby“, das den Abschluss bildet Album mit einer Reprise, aber nicht vor Gledhills vorletztem Cover eines Alternative-Klassikers aus den 90ern, den sie sich erinnerte, als sie mit ihren älteren Geschwistern unterwegs war.
Die in Utah lebende Sängerin und Songwriterin sprach kürzlich mit American Songwriter über ihr erstes Werk über ihr inneres Kind, das Making of Bd. 2arbeitete mit ihrem Sohn an zwei Tracks und ihrem Cover des Cranberries-Hits „Dreams“ aus dem Jahr 1993.
American Songwriter: Kehren wir zu der Zeit zurück, als Sie auf die Telefonzelle stießen, die die Inspiration für das neue Album war.
Mindy Gledhill: Das Konzept dieses Albums entstand in einem dieser Geistesblitze. Ich befand mich in einem schwierigen Privatleben und suchte einen Therapeuten auf, der mir helfen sollte. Sie sagte: „Was Ihnen meiner Meinung nach helfen würde, ist die Arbeit mit dem inneren Kind“, und ich wusste nicht, was das war, aber sie sagte: „Nächste Woche, wenn Sie kommen, bringen Sie mir eine Tüte mit Gegenständen mit, die Sie in Ihrem Haus finden.“ „Erinnere dich an die Kindheit, und wir reden einfach über jede einzelne.“ Also brachte ich diese Tüte mit Objekten mit, und als wir jedes einzelne untersuchten, begann ich, jedes dieser Dinge als potenzielles Lied zu sehen.
Diese Übung erinnerte mich an eine Übung namens „Objektschreiben“, die ich als Songwriter verwendet habe. Dabei nimmt man ein Objekt und nutzt seine fünf Sinne, um Wortlisten zu erstellen und Fragen zu beantworten wie „Wie klingt dieses Objekt?“ Wie schmeckt es? Wie riecht es? Wie sieht es aus? Und ich dachte, es könnte für mich therapeutisch sein, Lieder über mein inneres Kind zu schreiben. Zufälligerweise hielt ich an diesem Tag auf meiner Heimfahrt von der Praxis des Therapeuten an einem Antiquitätengeschäft an, eines meiner Lieblingsabenteuer für Erwachsene.
AS: Wie bist du vom Betreten dieser Telefonzelle zum Schreiben eines ganzen Albums gekommen?
MG: In Filmen wie … gab es immer ein Thema von Zeitreisen Bill & Teds ausgezeichnete Abenteuer. Im Grunde war es eine kleine Zeitreise. Und das innere Kind ist der Schlüssel zu so viel Freiheit und Kreativität, denn Kinder beurteilen ihre Kunst nicht. Sie wissen, dass sie so schön und frei erschaffen. Ich denke, die Theorie zur Arbeit mit dem inneren Kind besagt, dass sich so viele unserer Nervenbahnen in unseren prägenden Jahren entwickeln, und wenn wir falsche Botschaften oder schlechte Erziehung erhalten, werden diese Bahnen auf diese Weise geformt. Die Idee ist also, dass Sie zurückgehen und sich selbst wieder erziehen können. Sie können zurückgehen und visualisieren. Was mich betrifft, habe ich das alles erreicht, indem ich Songs geschrieben und all diese Dinge visualisiert habe, die man hätte hören sollen, oder Botschaften, die man beim ersten Mal hätte lernen sollen, und angefangen habe, die Nervenbahnen und die Art und Weise, wie man mit sich selbst spricht, neu zu programmieren, um das Innere zu verbessern Dialog.
AS: Beim Schreiben der Songs für Die Telefonzellensitzungen, Bd. 1was wolltest du deinem inneren Kind sagen?
MG: Als Kinder lernen wir oft, den Erwachsenen um uns herum eine Freude zu machen, um ihre Liebe zu verdienen. Ich glaube, einige der Botschaften, die mir während des Schreibprozesses kamen, begannen mit dem ersten Titel „Pleased to Meet Me“. Es war diese Erkenntnis, die ich selbst kennenlernen musste. Ich musste mein Gehirn neu programmieren, um zu lernen, dass es eine Freude ist, mit mir selbst zusammen zu sein und mich selbst zu kennen. „Freude, mich kennenzulernen“ beantwortet die Frage: „Wenn du zurückgehen und dich treffen könntest, was würdest du ihnen wünschen, dass sie dich fühlen und wissen?“
Ich würde sagen: „Es ist eine Freude, dich kennenzulernen, Kleines.“ Du bist keine Last. Du bist eine Freude.“
AS: Wie sollte sich dieses Album klanglich anfühlen?
MG: Es ist zart und berührt das Herz, und auch die Kombination der Instrumente trägt dazu bei, diese Gefühle hervorzurufen. Es gibt viel Orchestrierung, gepaart mit unerwarteten Instrumenten wie dem Vibraphon und mehr 80er-Jahre-Gitarre – weil ich ein 80er-Jahre-Kind bin – und ein paar Uptempo-Songs, die mit der Wildheit, den wunderbar wilden Aspekten des Kindesseins in Verbindung stehen.
AS: Inmitten all dieser inneren Kinderarbeit haben Sie auch über die „Dreams“ der Cranberries berichtet.
MG: Ich habe versucht, mir ein Lied auszudenken, das auf dem Soundtrack stehen würde, wenn meine Kindheit verfilmt würde. Welches Lied würde während des Abspanns gespielt werden, und ist Ihnen das in den Sinn gekommen? Es ist [“Dreams”] ein Wohlfühl-Erinnerungslied. Ich wollte nicht, dass dieses Album ganz traurig ist. Es gab viele schöne Kindheitserinnerungen, die ich auch würdigen wollte. Meine älteren Schwestern im Teenageralter fuhren mich morgens, bevor sie zur High School gingen, zur Mittelschule und spielten Cranberries. Daher habe ich viele Erinnerungen an Cranberries bei heruntergelassenen Fenstern in Kalifornien.
AS: Wie war die Zusammenarbeit mit mehreren Produzenten?Porter Chapman, Bly Wallentine, Colin Foja, Joe Corcoran, Daniel Tashian, David Kahne, Liam HerbertUnd Scott Shepard– und wieder als ausführender Produzent zu fungieren, damit sich das anders anfühlt als die anderen?
MG: Dies ist das erste Projekt, bei dem ich die Kontrolle über die Produktion und die Mitarbeiter übernommen habe. Ich habe den Prozess viel mehr als jemals zuvor geleitet. Ich war schon immer ein unabhängiger Künstler. Ich war immer der ausführende Produzent, aber das war ein anderer Prozess, bei dem ich stärker involviert war und weniger ins Studio ging und dem Produzenten das Sagen überließ. Ich gab den Ton an und sagte: „Das ist es, was ich tun möchte, und wir werden all diese Leute einplanen, und dann werde ich diese Instrumente spielen.“ Das fühlte sich für mein inneres Kind wie eine Heilung an, denn ich glaube, dass es zu meiner Arbeit gehört, selbstbewusst zu sein und die Zügel in mein Leben zu nehmen und es nicht anderen Menschen oder externen Autoritätspersonen zu überlassen, mir zu sagen, wie es weitergehen soll.
Ich hatte mehr Freiheit zu sagen: „Das ist es, was ich will, und wir werden tun, was nötig ist, bis es so klingt.“ Manchmal braucht es Zeit, sich selbst, seinen Entscheidungen und seinem Geschmack zu vertrauen. Ich glaube, dass zu viele Künstler mit Produzenten ins Studio gehen, die sich auf der Straße einen Namen gemacht haben oder auf eine solche Erfolgsgeschichte zurückblicken, und dass sie zu viel Macht und Autonomie an das abgeben, was der Produzent will, statt an das, was er will.
AS: Sie haben auch mit Ihrem ältesten Sohn Jackson zusammengearbeitet, der „Little Miss Moon Boots“ und „The Edge of the World“ mitproduzierte und mitschrieb.
MG: Eines der coolen Dinge daran, dass er das Album schreiben und einer der Produzenten sein durfte, ist, dass es zwischen uns zu unerwarteten Gesprächen über seine Kindheit und Dinge kam, von denen er sich erholen musste. Ich habe das Gefühl, dass es eine wunderbare Reise zur Heilung von Generationenschmerz und Generationentrauma war, mit der viele Familienmitglieder nie konfrontiert werden. Ich habe nicht darüber nachgedacht, dass das ein Nebenprodukt dieser Reise und dieses Prozesses sein könnte, aber ich bin so dankbar dafür.
AS: Können wir in „The Edge of the World“ eintauchen und wo das in Ihrer Kindheit war?
MG: „The Edge of the World“ beantwortet die Frage: „Wenn Sie Ihr inneres Kind an einem sicheren Ort treffen könnten, nur in Ihrem Kopf, wo wäre das?“ Und für mich heißt der sichere Ort, an den ich gehen und mein inneres Kind treffen kann, das Ende der Welt. Es ist ein echter Ort aus meiner Kindheit. Ich bin an der Nordküste Kaliforniens aufgewachsen und eines meiner älteren Highschool-Geschwister nahm mich und alle ihre Freunde mit an diesen Ort, der „Ende der Welt“ genannt wird. Es ist eine Klippe mit einem großen Abhang, und wir würden dorthin gehen, weil sie oben in den Bergen liegt, und nachts die Sterne beobachten. Es ist eine dieser Erinnerungen, die für mich eine sichere Erinnerung ist, weil ich mich einbezogen und akzeptiert und etwas Besonderes für jemanden fühlte, der älter ist, ein älteres Geschwisterkind, das als Kind so wertvoll ist.
Es gab auch diese schöne Metapher, wie man da draußen im Dunkeln unter den Sternen ist, mit dieser Weite, diesem Abgrund, wo man nicht weiß, was da draußen ist, und sich ironischerweise am Rande von so etwas sicher fühlt. Für mich war es eine Metapher für das Leben. Manchmal liegen unsere größten Transformationsmöglichkeiten am Rande von allem, was wir wissen, und wir müssen diesen Vertrauensvorschuss wagen und auf das vertrauen, was vor uns liegt.
AS: In welcher Hinsicht hat sich das Songwriting in dieser Phase Ihrer Karriere für Sie verändert?
MG: Bei allem, was Sie über einen längeren Zeitraum tun, besteht die Hoffnung, dass Sie darin besser werden. Und ich habe das Gefühl, dass dies einer meiner reichhaltigsten Songtexte ist. Dahinter steckt viel Tiefe und Absicht. Ich denke, dass ich bei vielen meiner früheren Arbeiten immer ernsthaft war und weniger Erfahrung hatte und weniger in der Lage war, tiefgründige Dinge auszudrücken.
Für viele Autoren aus Nashville ist es ihre Aufgabe, jeden Tag zu erscheinen und zu schreiben. Ich bin nicht so ein Schriftsteller. Ich schreibe, wenn etwas in mir hochsteigt und es herauskommen muss, und ich habe nicht das Gefühl, dass ich die Wahl habe, wann oder wie das passiert. So habe ich die Welt schon immer verarbeitet. Ich denke, dass sich in meinen Erfahrungen diese Energie in mir aufbaut und ich sie nicht mehr zurückhalten kann, bis ich sie in ein Album oder in Musik umwandele.
AS: Und jetzt, wo Sie wieder mit Ihrem jüngeren Ich in Kontakt gekommen sind, wo bleibt es für Sie als Künstler, als Songwriter?
MG: Ich hatte diese Fantasie romantisiert, dass ich diese Arbeit mit dem inneren Kind machen und dieses Album machen werde und ich von meinen Problemen geheilt werde. Ich würde auf jeden Fall sagen, dass ich viel geheilt habe, und die unerwartete Ironie dabei ist die Akzeptanz und Erkenntnis, dass es einige Dinge im Leben gibt, die immer weh tun werden und dass man vielleicht nicht immer heilen kann, aber es gibt eine Akzeptanz, dass eine Heilung stattfindet. Es ist in Ordnung, dass manche Dinge immer weh tun können. Und ich denke, dass es tatsächlich heilsamer war als alles andere, die Fantasie loszulassen, dass irgendwann alles besser wird.
In Band zwei geht es mehr um die Teenagerjahre, die meiner Meinung nach unterschiedlich stark verletzt waren. Es ist wirklich kraftvoll, uns selbst auf jeder Entwicklungsebene unserer Lebensgeschichte zu beobachten. Und uns selbst auf mitfühlende Weise zu beobachten, ist wirklich kraftvoll. Mitgefühl. Das ist das Schlüsselwort.
Keiner von uns lässt die Kindheit unversehrt. Und diesem kleinen Mädchen beizuwohnen, Zeit mit ihr zu verbringen und sich die Zeit zu nehmen, bestimmte schmerzhafte Erlebnisse wirklich zu betrauern, dafür habe ich mir in der Vergangenheit nicht die Zeit genommen. Das war ein heilsamer Teil dieser Reise. Es ist schwer, zurückzugehen und schmerzhafte Erinnerungen noch einmal Revue passieren zu lassen, aber je mehr wir ihnen aus dem Weg gehen und sie verdrängen, desto mehr halten wir uns davon ab, weiterzumachen und zu heilen.
Fotos: Clifford Clark
